Photographe et cinéaste, Valérie Jouve appartient à la génération de ces artistes, qui, en France, se sont éloignés de la grande tradition humaniste des reportages photos, sans cependant en rejeter complètement les éléments utiles et essentiels. Elle travaille à partir de paysages, surtout des paysages urbains. Elle inclut dans ses photographies des portraits d'hommes et de femmes en mouvement ; elle en a fait sa spécialité. Les deux sujets classiques du paysage et du portrait sont associés de telle sorte que, dans la densité de situations urbaines, prend place une scène hautement chorégraphiée. Avec cette démarche sociologique, Jouve épaissit la représentation et la mise en scène. Ses photographies tentent de questionner la ville comme proposition d'un espace "à vivre ensemble" ; une ville en mouvement, en rythme, toujours en oeuvre.

Comment aborder une oeuvre qui n'est, a priori, qu'un barbouillage d'enfant, une photographie d'amateur, une accumulation de produits usagés, sans être dérouté, voire dépité ? L'art contemporain constitue une "rupture esthétique" et rejoue tout ce qui l'a précédé.
Dix voies d'accès sont ici envisagées, à partir d'exemples concrets, avec la volonté de fournir au lecteur des questions à se poser plutôt que des solutions à des problèmes qui s'avèrent être très souvent des freins à la compréhension des oeuvres et au plaisir de l'art.
En chacune de ces 10 clefs, vous trouverez un moyen simple de prendre du plaisir à visiter des expositions d'art contemporain.

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Éric Rondepierre est artiste et écrivain. Après avoir été acteur, c'est en tant que spectateur qu'il entreprend une œuvre de plasticien, en détournant des images de film ; c'est de la place du Voyeur qu'il nourrit ses travaux depuis le commencement des années 1990 en faisant ce qu'il appelle de la « reprise de vue ». Les dix grands cycles de son œuvre travaillent au plus près de la chaîne filmique, interrogent la matière des images, leur rapport au temps, les angles morts du dispositif, l'imaginaire qu'il supporte. (cliquez sur l'image pour acheter ce livre via fnac.com)

Les artistes contemporains les plus médiatiques sont capables de tout sauf de peindre, de sculpter ou de graver. A en croire la terminologie officielle, ils "installent", "conceptualisent" et "subvertissent" ; allant jusqu'à "détourner" tous les objets du quotidien, déchets compris. De cet ensemble disparate, l'on ne retiendrait qu'un effet de mode, qu'un caprice du goût assez anodin, s'il n'obéissait à une véritable "révolution culturelle" soigneusement institutionnalisée : visant à éradiquer les arts plastiques traditionnels au motif qu'ils seraient dépassés et donc voués à disparaître. Aussi n'est-ce pas un hasard si les réalisations contemporaines qui "revisitent" les oeuvres majeures du patrimoine culturel en effacent systématiquement la facture d'origine. De quoi remettre en cause la thèse du déclin historique au profit du scénario rigoureusement inverse : c'est bien d'un complot planifié en haut lieu, aux puissantes motivations mercantiles, que meurent la peinture, la sculpture et la gravure. Tout aurait commencé voici trente ans... Trois artistes ont uni leurs efforts pour explorer le progrès d'un insidieux travail d'endoctrinement aux répercussions sans précédent sur la théorie et le marché de l'art. Une salutaire opération de dessillement.

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Depuis une dizaine d'années, la pratique de Marcelline Delbecq a lentement glissé de la prise de vue à la prise de notes. La question de l'image s'y est incarnée en une forme essentiellement narrative, d'une écriture empreinte de mouvements et d'arrêts sur images, de passé et de présent, de fiction et de réel.

Silence trompeur réunit pour la première fois un ensemble de textes écrits entre 2007 et 2014 pour des installations sonores, des lectures à voix haute, des publications en revues ou des livres accompagnés d'images. Les lier entre eux pour ce recueil permet, en quelque sorte, d'estomper leur première vie. Partie immergée de l'iceberg, persistance de la parole échappée, insatiable pourvoyeur d'images ambivalentes dans leur mélange de fixité et d'impalpabilité, le texte imprimé est empreint d'un curieux silence que nos voix intérieures de lecteurs ne cessent de briser : un silence trompeur.

Ouvrage à destination des curators, managers culturels, collectionneurs

Cet ouvrage se veut un outil à l’usage du curator issu de structures de droit privé ou public de l’exposition mais également de tout manager culturel ayant pour mission la production, l’organisation, la gestion d’une exposition. L’idée de ce livre est née d’une demande forte d’un public varié issu du milieu privé et public de la culture, dépourvu d’outil simple, général et pratique quant à la gestion contractuelle stratégique du montage d’une exposition.

Il a pour but de donner une vision d’ensemble de la stratégie contractuelle du montage de l’exposition en brossant tour à tour da manière pratique et schématique chaque contrat et donc le traitement des œuvres et des artistes ; du contenu de l’exposition (don, acquisition, aide à la création, prêt, dépôt), sa promotion (site web, graphisme, scénographie, prises de vues), sa valorisation (parrainage, mécénat) à sa circulation (itinérance). Structure L’ouvrage se veut un manuel pratique dans lequel le manager culturel pourra trouver, à chaque moment clef de l’exposition, une technique simple, claire, schématique et répétitive ce qui permet d’asseoir un raisonnement repris dans chaque chapitre.

Obsédée par l’opinion de chacun, l’époque veut absorber l’art dans ses débats. Mais le principe de l’art résiste aux préoccupations de la cité. Se tenant dans ce que Rimbaud nomme « le dégagement rêvé », l’art est le lieu d’une absence totale d’implication civile. Ce livre est un traité De l’art ; conçu comme une odyssée, il progresse en sept étapes. La première, à travers l’analyse des slogans partisans, établit la vacuité d’une psychose volontaire : la relation au politique. En rupture avec cette maladie, les étapes suivantes sont les cinq degrés de progressive élévation dans la relation que l’artiste entretient avec l’art. Les figures symboliques de Ph. Muray (dont on lit pour la première fois le Journal intime), de Wagner, de Rousseau, de G. Gould et de saint Augustin permettent à cette odyssée hors de l’implication civile de déployer la richesse de son sens. L’étape finale est l’expression directe du Poëme qui se tient au coeur de l’art : un chant de solitude. Ici, on ne parle pas extérieurement de l’art, on le fait. Et l’œuvre vient couronner la pensée de l’œuvre.

Anna Maria Cutolo est une artiste peintre expressionniste française d'origine napolitaine. Elle est née en 1960. Elle vit à Metz.
À la frontière du sacré et du profane son travail pictural s'inscrit résolument comme un voyage intérieur dans l'intime.

Ce livre sortira le : 20 MARS 2015.

Il fera l'objet d'un tirage limité et numéroté dont le nombre sera définitivement fixé 15 jours avant la sortie. Possibilité de réserver (cliquez ici). Chaque ouvrage possède une reliure cartonnée, matelassée et pelliculée mat anti-rayures. L'ouvrage est imprimé sur du papier Condat 170 gr. couché mat.

Les ouvrages seront envoyés en colis suivis dans des étuis cartonnés avec renfort mousse aux quatre coins du livre pour éviter les risques de détérioration dus au transport.

Prix unique de l'ouvrage : 60 euros + frais d'envoi (8 euros).

 

Proposant un large panorama de l état de la recherche sur les rapports complexes entre le corps et ses représentations artistiques, mentales, individuelles ou collectives, ce volume regroupe des articles issus de la recherche actuelle en histoire, en littérature et dans le domaine des arts en général. Cet ouvrage permet d examiner les fondements des études du corps, en analysant dans le détail les articulations possibles entre corps et des représentations, sources primordiales des investigations en sciences humaines.

De Stéphanie Chapuis-Després, Cécile Codet, Mathieu Gonod
Coordonnée par Stéphanie Chapuis-Després, Cécile Godet, Mathieu Gonod

Nous vous proposons aujourd'hui deux livres en rapport avec l'éducation artistique.

 

 

D'un art pour tous : Et autres infortunes de l'éducation artistique 

D 'un art pour tous. Dans toutes les sociétés, les instances de pouvoir ont encouragé la transmission d'apprentissages techniques de génération en génération. En Occident, jusqu'au XVIIIe siècle, cette transmission s'est effectuée au seul contentement, ou presque, des castes et familles influentes. L'orientation en a changé avec l'accession des bourgeoisies nationales aux leviers de l'économie, et ensuite, dans la seconde moitié du XIXe siècle, grâce au travail industriel. 

 

L'éducation artistique pour tous

La pratique artistique collective permet d aborder les compétences scolaires indirectement, en accordant au corps une place importante.

Elle permet en outre de développer les compétences sociales, l autonomie et l initiative.

Cet ouvrage a pour but de partager leurs observations, leurs analyses et leur conviction : permettre au plus grand nombre d enfants d accéder à une pratique artistique exigeante, c est lutter efficacement contre les inégalités.

edito revue ka 01

Le bruissement de l’intime

Pour cette première édition de la revue K.A, c’est tout en finesse que nous convoquons l’intime et invoquons l’érotisme. C’est dans la préciosité du secret, du toucher / voir, du non-dit que nous tentons d’entendre et de percevoir le bruissement de l’intime.

Écoutez ! Il est là.

À mi mot il se révèle. Telle une réalité profonde de la conscience gardée secrète. Une caresse, un souffle, une peau.

Lire la suite de l'édito...

alternatif-art est un portail d'informations pour les artistes. Fondé en 2007 par Julie Perin et Christophe Cochart.